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210Talk | 和大佬聊聊动漫23事
2018年，《美食大冒险之英雄烩》问世，作为孙海鹏制作的第一部动画大电影，其脑洞大开的角色设定、诙谐的画风和优秀的三维动画技术，在中国动画业内初露锋芒。
三年后，《雄狮少年》登陆院线。凭借更优秀的质量和更现实主义的题材，孙海鹏和他的作品，成了人们热烈讨论甚至争论的对象。
而在圈内，这样的成绩也着实令人震惊：一支规模并不大的团队，如何再短时间内完成两部大电影的创作，更让人惊讶的是，两部作品在选题和内容上大相径庭，制作水平的跨越式提升却肉眼可见……
如此快速且精良的动画电影制作成绩，孙海鹏和其团队究竟做对了哪些抉择？ 他们是如何看待中国动画电影市场，又是如何优化制作流程的？ 作为从业近20年的动画导演，孙海鹏怎样保持不断进化的能力与速度？ 今天，两点十分动漫，特邀《雄狮少年》导演孙海鹏，聊聊一个动画导演的进阶之路。
在潦草的意象里勾勒足够具体的现实故事
虽然《美食大冒险》与《雄狮少年》系列皆出自孙海鹏的手笔，但两者在故事选题、美术风格方面并没有多少交集：前者是拟人的幻想故事，而后者则立足于乡土环境和现实世界。 这种题材上的迥异对故事的创作者提出了第一个困难的问题：如何快速准确的，从模糊的意象里，寻找到那个能引发大众共鸣的切面，形成一个明确清晰的主轴。
两点十分：为什么刚拍完《美食大冒险》，这么快就投身到了《雄狮少年》的制作流程中，在转换期你经历了什么？
孙海鹏：其实那是我最痛苦、最迷茫的阶段。一方面我不甘心现有的成绩，我想和团队一起做质量更高的作品，但另一方面，很现实的问题是，我们没钱了。这时候的压力就是如何维系整个团队不散掉，因为我们理念一致，工作有默契，聚起来很不容易。所以我们必须得很快找到一个接下来可以做的项目，《雄狮少年》就应运而生了。
两点十分：您能如此快速地确定拍《雄狮少年》，最关键的是看到了什么要素？
孙海鹏：是情绪。第一稿出来的时候，剧本虽然还不够完善。但是我们觉得情绪足以支撑起整个故事了，所以我们就边画分镜边改剧本。对剧本的修改贯穿了整个制作过程。
因为我们最早定的目标是在两年内把这个项目做完。所以我们的很多环节都是在并行的。比如说剧本还在修改的时候，我们实际上就开始画分镜了。因为我们知道他这个故事最重要的部分就是它的情绪。只要情绪能够保留下来，那其他的一些小修小改都可以调整。
两点十分：是什么情绪点燃了大家的信心？
孙海鹏：《雄狮少年》其实是我们在挑选剧本时最晚看到的一个，当时甚至都不能算是剧本，只有几个关键词。我记得有“像狗一样奔跑”、“天空”、“少年感”等等。
编剧老师也是广东人，我和他都有意愿通过舞狮题材表现出少年感，所以正好“碰”上了。整个故事并不复杂，有些地方至今也不是特别的完善，其实细抠的话还可以打磨很久。
但毕竟是个商业项目，所以时间比较重要。我们的首要任务就是把这个故事里面很好的能够打动人的这种情绪，把它给做好、做到位、做充分。其它的部分，即便有一点瑕疵，也不太会影响整个故事的完成度。所以基于这么一个想法，就很快开始了。
两点十分：策划时对舞狮题材的市场反应有预期调研吗？
孙海鹏：没有。我觉得原创这个东西，其实不需要做太多调研。调研只会让自己变得不确定。调研的结果猜都能猜出来。无非是“在广东有感知，但不出圈”，或者觉得“太土了”。可是大家都觉得好，也并不意味着做出来就是好故事。不管什么题材，最终打动人的还是故事。这个让观众感动的共情面是最重要的。
我们接下来的项目应该也不会做大规模的调研，按照我们自己的嗅觉往前走。因为做电影，特别是在前期的时候，一个偏“作者向”的事情，它其实更像是一个艺术品。剧本成型了以后，可以说是个工业化的生产过程。但是在创作的时候，它一定是一个感性的、非常大程度取决于创作者状态的事情。
在不确定的制作中以产品思维进行自我审视
虽然艺术层面的积累是作品质量的重要保证，但作为一部商业作品，是少不了跳脱于艺术框架外，以产品的逻辑和视角自我审视的过程。 而对于团队资金捉襟见肘的《雄狮少年》团队，这种审视背后既有对观众观影动机的预期和调整，也有对团队的自我说服、稳定的判断。
两点十分：整个制作过程中，让您印象最深刻的风险是什么？
孙海鹏：早期的时候其实大家都有一定的困惑，就是这个片子为什么要用动画来做？最后呈现出来会是什么样？大家心里都没底。甚至到了制作中段，还有一些同事觉得这个片子没什么希望，就走了的。但随着我们的镜头开始展现出来，特别是渲染镜头多了以后，大家慢慢就消除这个疑虑了，最后比较有信心地往前走。
两点十分：舞狮这个故事为什么要用动画来做，我们最有力的一个说服伙伴的理由是什么呢？
孙海鹏：其实没有什么说服的理由，因为我们就是做动画的。舞狮动作通过动画做出来，一定比实拍的好看。只是故事落地的过程中，包括中间穿插的情感也比较不像是一个动画片的情感，这是让大家感觉不确定的地方。但是我心里一直有一种感觉，我觉得它这样做出来就应该是好的，所以我一直坚持这样。
两点十分：我理解这部电影要想票房大获成功，要突破的一个问题就是如何让对动画不感兴趣的人，都愿意买票来电影院看《雄狮少年》。我们怎么促成这个效果？
孙海鹏：我能做的工作主要在物料上，就是尽量地突出场景的真实感，看上去更接近于实拍，以此来抵消一些观众对于动画片的疑虑。包括海报的设计上面我们都没有着重渲染，甚至后面的海报我们基本上用手绘的，也是基于这个目的。我们不太希望那种三维动画的感觉过于强烈，所以就用手绘的方法，让它更风格化一点。
在有限的资源下用技术手段管理项目风险
即便是在国产动画新作令人应接不暇的时代，风格独特、具有视觉冲击力的作品仍然相当稀有且昂贵，而在制作过程中遇到的种种问题，都可能延长制作周期。 而对于仅用2年多时间便完成制作的《雄狮少年》，其项目管理的流程、技术细节的处理方式和对风险的把控，都是我们所关注的重点。
两点十分：《雄狮少年》只用了2年零3个月，就完成了从策划到制作的全过程，是采用什么流程呢？
孙海鹏：其实整个过程要比大家想象中混乱得多，因为我们也好久没有做项目了。但是我们几个主创一起工作很多年了，彼此之间很默契。所以有很多坎儿，其实是我们靠个人能力拼过来的。事后来看，我们其实还可以更快。
不过有几个做法，是我们现在看起来能快速做出来的重要原因。比如灯光这个环节，我们将其往后延。传统的制作方式要分层，看上去很灵活，但实际上对合成师的能力考验是很大的。那我们就干脆不合成，直接特别暴力地，在镜头里渲染出来，把动态模糊、景深、体积雾全都放在一起，这样跟特效也能无缝衔接起来。
此外就是将所有流程放在同一个软件上，上一部《美食大冒险》还是分开两个软件制作，中间导大量的数据出来特别痛苦。所以这次我们合并到同一个软件Houdini里，用特别简单暴力的方法去渲染合成。我们就可以保证片子最后出来的效果是统一的，不会犯低级错误。
再一个就是解算这一块，工作量其实非常大。我们采用比较写实的光影，没有特意卡通化。因为现在渲染器其实都很成熟了，只要不是反物理，那做出来的结果基本上是正确的。所以我们整个的打光、运镜都很接近实拍，因为我发觉这样是最快的。
尤其是到了舞狮的动作戏。狮头上的毛发、布料等等，我们都会非常严谨地测试，按照科学的物理效果制作。但我们做完工程以后，就直接丢到服务器上去跑，跑的过程中发现哪里有问题再微调。所以我们90%以上的解算，都是特效总监自己一个人完成的。在整部片子的制作过程中，我们团队的人数最多也不过六七十人，这还是在特效渲染基本上没有包出去的情况下。
核心理念就是尽量科学，不要跟现有技术对抗，尽量交给电脑去做。有瑕疵的话，如果是小问题我们就忽略掉不管它，只要它整体的效果是好的，看上去没有什么太大问题就可以。
两点十分：主创团队会对什么产生争执呢？
孙海鹏：主要是在审美上。其次是时间的安排上。但是几乎没有什么大的问题。
两点十分：制作过程，尤其是中后期，有没有出现需要返工的情况？如何解决？
孙海鹏：其实一直在返工。我们重复渲染的方法可能在比较传统的观念里看来，完全是在浪费钱。一个样片我们就渲染了 30 多遍。在Layout阶段，我们就快速地渲染出来。之后把光影效果提一些，再去再一遍遍地渲染。那个时候人物衣服都穿得乱七八糟的，毛发也没有。
但我们发现哪里有问题，把这个问题修改了，然后直接丢电脑去，第二天拿来再看就好。尽量不要拖到后期再做大的弥补。而且由于我们一开始就在渲染，所以我们就知道渲染出来的效果大概是怎样的。有些地方我们要做得充分一点，有些地方我们就不管了。对于工作效率和沟通成本来说，这也是一个好处
另一个问题就是改剧本。我们到2020年 8 月份，也就是上映前4个月还在改剧本。当时有两场戏纠结了一下，担心做不完就决定延期了。我们停下来去做了一个观众的测试。观众告诉我们有哪些地方不太好，跟我们当时自己的心理预期差不多。所以我们决定，还是冒险把它改过来。所以在8月份，我们就推翻几场戏，重新从剧本层面上修改。
我们的团队也早就适应了这种颠覆性修改的情况，在创作时就有心理预期。最后留存下来的人都是在工作方法和理念上最合拍的。
两点十分：你刚才提到90%的解算只靠特效总监一个人做完，他有什么独特的工作方法吗？
孙海鹏：他的工作方法就是尽可能地科学一点。其次就是审美能力比较重要。因为技术上的问题还好沟通，但审美这一块其实是没有办法沟通的。你很难说明白好看或者不好看的点在哪。只有自己审美好，才能减少返工的概率。
两点十分：如果我们没有采用这种频繁渲染迭代的方式，用串联的结构来统筹电影制作周期，会比现在慢多少？
孙海鹏：我觉得可能得慢个半年到一年的。
在本土文化语境下 用差异性消解审美疲劳
拥抱传统文化，探究传统题材是当下国产动画的普遍选择，这也或多或少会导致市场反馈中会产生某种审美疲劳和倦怠感。《雄狮少年》是如何在一众“国风”作品中建立了自己与观众的链接方式，去消解这种对传统题材的倦怠，也是我们所好奇的部分。
两点十分：我注意到你们用了一年的时间到广东的村镇采风，为什么这么看重这个步骤？
孙海鹏：采风是和电影制作同步进行的。写剧本时就开始在村庄里找场景。其实我们之前也没有想到要这么大规模的采风，但是我们发觉始终做不出那个味道来。你看好莱坞电影里的中国，虽然场景都是中国场景，但就是感觉不是我们自己的生活。我们一定不能犯这个错误。也幸亏有采风这个步骤，最后呈现出来的画面，观众还是能感觉到我们的用心的。
两点十分：采风的结果，是怎样被观众感知到的？
孙海鹏：整个片子里剧情的时间线跨度有一年，我们把广东的植被，包括各种木棉、榕树、羊蹄甲之类的花，在春夏秋冬是什么样子都尽可能写实地还原了出来。虽然大多数人看起来它们一直都是绿色的，但其实广东人能够看出其中随着季节产生的变化。
这是我坚持要做的一部分。一开始我也没抱希望观众一定能看出来，不过最后证明，确实有细心地观众捕捉到了，还把什么时候开花、结果、落叶全都列出来了，这让我特别惊喜和意外。
 
两点十分：观众反响里，有什么让你比较深刻的事件吗？
孙海鹏：我印象比较深刻的是一些舞狮的人。他们是真的很支持这个电影。而且他们表现得很宽容。
我们之前还担心我们把很多舞狮的规则有修改，比如高桩加高了，还有我们加了一个擎天柱，这都是传统舞狮没有的东西。舞狮的乐器我们也改了，只有一个鼓，没有锣和镲。有很多东西看起来是不专业的，但都是为了电影的效果做了这样的修改。
舞狮的人并不介意，他们说通过这个电影，很多普通人对舞狮感兴趣了，对他们这个运动是有好处的。反而是有一些些研究舞狮的民间学者也好，或者干脆就是一些半懂不懂的人，他们会比较纠结这些问题。
商业电影的成败判断 更多取决于团队的需求
上映结束后的很长一段时间里，《雄狮少年》依然成为了市场和舆论的核心，有人说，这部作品是在打破国产动画的舒适圈的创举、有人则觉得这是“迎合海外审美遭受的挫败”，那么，这最后的功过是非，孙海鹏和他的团队又是如何评判的呢？
两点十分：您的团队我理解是一个导演工作室的模式，您这边汇聚了最精英的那帮人。这跟几百人的制作公司，在效果和流程上会不会有差别？
孙海鹏：流程上差别不会大。几百人的制作公司，流程管控会更严格、更工业化，且分工精细明确。但做电影，对几个环节负责人的品控能力有很高要求。迪士尼也是如此，需要最关键的几个人，来高效地控制最后的整体效果。
两点十分：我看您2018年接受采访时说，“外包项目做得比较多的团队，会比较喜欢接确定的需求。但做电影它实际上是要靠磨出来最终的审美。”这个观点有变化吗？
孙海鹏：没有任何变化，做好的电影作品，要尽量减少瑕疵，包括电影里面的很多细节，你在剧本阶段其实没有办法想得那么细，分镜阶段也没有办法想得那么细。它只有进到渲染阶段的时候，你才能一点点地磨出来。那这就意味着要一遍遍地修改，没有任何办法。
不过也可能是因为，我没有达到能够在前期就特别精准地提出每个镜头应该咋样的水平。但你要做一个电影，因为要自己花钱嘛，你就不能放下不管。要尽量地把好的点加上去，因为它是最终会影响到观众的情绪的。
从我的个人理解来看，原创和外包一个很大的区别，就是外包可能会更工业化一些，照单加工就好，但是电影不行。做原创的时候，创作是贯穿在整个制作过程的，大家心里都有预期，默认每个镜头都随时可能拿回去返工，所以我们的流程会设计得非常灵活，随时都准备好，从资产阶段再走一遍。
两点十分：所以按照您的观点，擅长做外包的团队转型做电影时，转化成本是相对比较高的吗？
孙海鹏：对，一定是这样。这两类公司之间其实转换起来挺麻烦的。比如说我转成一个纯外包的公司，其实也挺痛苦的。因为有很多东西我们是要边做边想的，但是要把它都非常确定地给固定死，这个对我们来说很痛苦。如果一个外包公司，要转型做原创，进入到随时都可能打回去重新调整的不确定状态，其实大家也会容易不知所措。所以这两种模式之间，还是有一些隔阂。
在一切尘埃落定之后，带着《雄狮少年》之后的赞誉、诋毁、成绩和教训，孙海鹏又马不停蹄的投入到了新动画电影的制作当中。
一如他结束了动画电影处女作后，带着行将解散的团队投入《雄狮少年》时一样。
那时候，他也曾模模糊糊的思考，他的电影，是否会被人们所接纳，他所传达的一切，是否会被人误解或无视，更糟糕的可能是……这部投入更大、挑战更大的作品，最终或许并不能在资金耗尽之前能够真正完成。
幸运的是，事情并未向最糟糕的方向发展。而这一切，也正在继续的给予他，完成下一个“奇迹”的力量。
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